Indie-eye - Straneillusioni

Funzione e necessità di un pensiero critico – Filmcritica a Venezia 67

Indie-eye cinema >> Straneillusioni — Thu, 02 Sep 2010 02:04:10 +0000

Oggi Giovedi 2 Settembre alle ore 17, nella terrazza della Regione Veneto all’hotel Excelsior in occasione dei sessant’anni di “Filmcritica”, si terrà un evento incontro su “Funzione e necessità di un pensiero critico, introdotto da Marco Mueller. Interverranno il direttore di Filmcritica Edoardo Bruno e Alessandro Cappabianca, Lorenzo Esposito, Bruno Roberti, Daniela Turco, parteciperà la redazione di Filmcritica. Per l’occasione sarà presentato il volume “Senso come Rischio” edizioni Le Mani, una antologia degli scritti più significativi pubblicati sulla rivista

Venezia 67 – Concorso – Black Swan di Darren Aronofsky (Usa, 2010)

Alfonso Mastrantonio — Thu, 02 Sep 2010 01:54:09 +0000

Col film d’apertura del Concorso di Venezia 67, Darren Aronofsky dimostra di aver ulteriormente affilato gli strumenti del suo discorso autoriale e concede fin da subito serio materiale di riflessione alla giuria di Quentin Tarantino. In Black Swan, la fragile Nina ottiene il ruolo principale nella nuova versione del Lago dei Cigni in programma al balletto di New York, che prevede che la prima ballerina si divida tra l’interpretazione sia del cigno bianco che del cigno nero. Ma la pressione emotiva e la sopita smania di trasgredire al rigore imposto da una madre apprensiva finiranno per spingerla a ricalcare la tragica fine del proprio personaggio. Natalie Portman presta la sua preparazione giovanile nel balletto ad un personaggio sottoposto ad una montagna russa di sdoppiamenti e metamorfosi che riecheggiano le protagoniste di Polanski, oltreché i temi cari ad autori come Lynch e Cronenberg. Un’acuminata parabola di autodistruzione che si impenna a perdifiato in lungo climax finale, tratto distintivo del giovane autore americano fin dai primi passi di Pi Greco e Requiem for a Dream, con i quali condivide anche il ricorso ad una disturbante vena onirica e orrorifica. Ma la parentela più evidente è senza dubbio quella con The Wrestler: la vicenda del personaggio pedinato dalla macchina da presa sovrapposizione tra realtà e messa in scena, riflessa nella complementare dicotomia tra angustie dell’animo e traumi della carne. Black Swan schiude uno sguardo impudico su di un universo artistico in cui la violenza della fatica e del sacrificio si abbatte sui corpi delle ballerine con cruenza affatto minore che nel wrestling: schiene graffiate, unghie sanguinolente, caviglie torte, giunture scricchiolanti e gambe spezzate adombrano il fascino aggraziato di visi, figure e coreografie, come il desiderio si insinua nell’impostato candore di Nina. A questo proposito, tutti i settori tecnici sono diretti in uno sforzo organico a rimarcare il tema visivo dominante: fotografia, trucco, scenografie e costumi costringono lo spettatore in una dimensione priva di sfumature in cui gli onnipresenti bianco e nero si intrecciano, si giustappongono, si compenetrano a vicenda senza mai digradare uno nell’altro. Allo stesso modo il sonoro affianca sussulti horror ai contrappunti lirici dell’opera di Ciaikovskij. Purezza e perversione, caos e controllo, sono concepiti solo in dialettico conflitto, strappi e lacerazioni lungo il confine epidermico tra l’uno e l’altro (e sulla martoriata pelle della protagonista). Esponenzialmente amplificato è anche il tema del doppio, ribadito con cocciuta regolarità da un infinito ventaglio di specchi e di riflessi. Il cinema di Aronofsky, non a caso, affonda le radici del proprio valore nel perseguimento delle estreme conseguenze della rappresentazione visiva e narrativa, prevedibile nelle sue conclusioni ma proprio per questo crudelmente efficace nel dipanarsi del suo sviluppo.

Venezia 67 – Giornate degli autori – The Happy Poet di Paul Gordon (Usa, 2010)

Michele Faggi — Thu, 02 Sep 2010 01:37:23 +0000

Fotografato da Lucas Millard con una Red camera, il secondo film di Paul Gordon cerca nel formato digitale più vicino alla risposta “naturale” della luce quella flagranza che che avrebbe dovuto essere il centro di Motorcycle, il suo primo film girato nel 2006 quasi interamente in 16mm e con innesti miniDV; stesso approccio diretto e improvvisativo con gli attori, stesso rapporto tra inquadratura e parola. Il primo film di Gordon era un saggio universitario messo insieme nel tempo, mentre The Happy poet è un progetto che pur avendo seguito uno sviluppo del tutto autonomo, ha un formato più definito e orientato all’esportazione festivaliera; non è un caso che sia passato da vetrine di un certo tipo come il Rooftop Films, il South By Southwest festival per poi uscire dall’alveo di sicurezza dei contenitori indie oriented verso festival dalla struttura più vasta e apolide come quello di Thessaloniki e Venezia 67 nella selezione delle Giornate degli Autori. E il problema è probabilmente anche questo, una questione di “tagli”, durate, formati, che nelle scelte di Gordon è probabilmente molto più strategica di quanto non voglia farci credere quando chiama in causa Ozu tra le sue ispirazioni principali. L’occhio di Gordon allora si ritaglia un’inquadratura di sicurezza sulla vita di Austin, ricorrendo ad una serie di oggetti, materiali, simboli legati alla cultura del cibo in una tenera conversione Vegana del concetto di fast food; Bill vende insalata di uova senza uova e panini Vegetariani servendosi di un vecchio stand ambulante per la vendita di Hot-dog, piccolo catalizzatore dell’umanità che il cinema stesso di Gordon sogna e persegue, ovvero il fiato corto di un’impermeabile riserva progressista. Ed è vero, come racconta in alcune interviste, preferisce le inquadrature fisse e la libertà degli attori nel gestirsi lo spazio del frame, un rigore che salta immediamente in aria quando ci si accorge che il lavoro sui tempi è sempre più prossimo al taglio della commedia di parola; nessun tentativo di rischiare per un attimo il disequilibrio tra spazio e performance, più che libertà ci è parso di vedere una serie di potenziali performance annullate nella neutralità distante del bozzetto, qualcosa che si avvicina alla funzionalità gelida del primo Allen, ovvero quell’equivoco duro a morire che sostituisce la necessità di uno sguardo ambiguo nel farsi di un racconto morale, con la scorciatoia della didascalia.

Ravenna Nightmare Film Fest, 26-31 ottobre 2010

Indie-eye cinema >> Straneillusioni — Mon, 30 Aug 2010 12:43:38 +0000

RAVENNA NIGHTMARE FILM FEST

Capitale Italiana del Cinema Horror

26-31 ottobre 2010 / 8ª edizione

Torna a Ravenna l’appuntamento invernale col brivido cinematografico, il Ravenna Nightmare Film Fest. Da martedì 26 a domenica 31 ottobre 2010 la città di Ravenna si trasforma nella capitale italiana del cinema horror, perturbante e fantastico. Sei intense giornate, presso la multisala CinemaCity, per celebrare Halloween e i suoi fantasmi. RNFF è diventato in 8 anni il più importante appuntamento italiano per il cinema di genere. La prossima edizione come sempre darà particolare rilievo all’evento principale, il momento più atteso: il Concorso Internazionale per lungometraggi. Una selezione di pellicole che porterà in sala quanto di meglio è emerso recentemente sulla scena internazionale. In programmazione anche sezioni parallele tra anteprime, retrospettive ed incontri col pubblico. Tra gli ospiti sono attesi il cantautore e regista Federico Zampaglione, reduce dal successo del suo Shadow, e la “Scream Queen” per eccellenza del cinema horror indie americano: l’attrice e scrittrice Suzi Lorraine. Dopo gli esordi come modella, Suzi raggiunge il successo come attrice di genere e columnist per riviste horror, diventando un vero e proprio fenomeno di culto. A lei, membro giurato del RNFF2010, sarà dedicata una mini rassegna. In corso di definizione gli eventi speciali, tra cui ricordiamo l’anteprima del film che questa primavera ha scioccato Cannes, l’estremo e violentissimo A Serbian Film di Srdjan Spasojević di cui è possibile vedere un trailer qui in calce.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

www.ravennanightmare.it

Doppio Zebraman a Venezia 67

comunicato stampa — Mon, 30 Aug 2010 05:43:10 +0000

Sarà il superhero Zebraman il protagonista di due film della Mezzanotte della 67. Mostra Internazionale d’Arte, con Zebraman (2004) e l’attesissimo sequel Zebraman: Zebra City no gyakushu (Zebraman 2: Attack on Zebra City) (2010) del visionario regista giapponese Miike Takashi. Il primo dei due film, Zebraman uscito in Giappone nel 2004, sarà proiettato fuori concorso la notte dell’ 8 settembre (Sala Perla ore 0.15), il secondo, Zebraman: Zebra City no gyakushu (Zebraman 2: Attack on Zebra City) sarà proiettato fuori concorso il 9 settembre (Sala Grande alle ore 0.30), subito dopo la visione del suo attesissimo samurai/action 13 Assassins (in concorso, in prima mondiale) a chiudere quindi un’intera serata votata alla genialità di uno degli autori più estremi e innovatori del cinema mondiale. Con la presentazione dei due Zebraman a mezzanotte si rinnova il legame tra la Mostra del Cinema di Venezia e il Far East Film Festival di Udine.

Youtube a Venezia 67

comunicato stampa — Sun, 29 Aug 2010 15:30:52 +0000

Forse hai già sentito parlare di YouTube. Forse hai anche condiviso un video attraverso questa community; oggi però puoi saperne di più. Vuoi conoscere in che modo YouTube può essere d’aiuto al cinema e approfondire le opportunità che il principale sito di video sharing al mondo può offire all’industria cinematografica? In questa sessione su YouTube verranno affrontate tre tematiche in particolare: il controllo dei diritti, l’innovazione, il coinvolgimento della community e i nuovi modelli di business a sostegno del cinema. Non perdere l’occasione. Partecipa al workshop e scopri le opportunità offerte da YouTube. Speaker: María Ferreras Strategic Partner Development Manager, YouTube. Hotel Excelsior – Digital Expò – first floor – Venezia – 3 Settembre 2010

Giustizia Privata di F. Gary Gray (Usa, 2009)

Michele Faggi — Sun, 29 Aug 2010 13:31:58 +0000

Law Abiding Citizen, il primo prodotto della Evil Twins di Alan Siegel e Gerard Butler, scritto da Kurt Wimmer (Equilibrium e Ultraviolet come regista, Street Kings e l’imminente Salt di P. Noyce come sceneggiatore) interpretato dallo stesso Butler insieme ad un ottimo Jamie Foxx e diretto da uno specialista come F. Gary Gray, contrae (letteralmente) gli stimoli di certo cinema anni ’80 in un sorprendente esperimento che ha la durezza dei Siegel, dei Pekimpah e dei Frankenheimer più politici e iper-reali. La dinamica seriale del cittadino che si ribella si trasforma in un palindromo allucinato penetrando direttamente il sistema giudiziario Statunitense costretto a flettere su se stesso; più di un saggio di fantapolitica, il film di Gray ci è sembrato davvero una sovrapposizione realistica, perversa e assolutamente geniale di quel desiderio di morte isolazionista e giustizialista del vendicatore, sul cuore più nero della giurisprudenza contemporanea; Clyde Shelton è costretto ad assistere impotente al massacro della famiglia; un patteggiamento del suo avvocato con la difesa dell’assassino consentirà l’esecuzione del meno pericoloso dei due e il rilascio del killer per un’assenza di prove concrete. Shelton ci metterà dieci anni per mettere a punto una vendetta su vasta scala che colpirà al cuore l’assetto stesso del sistema giudiziario Statunitense; la forma del revenge movie tradizionale viene liquidata nei primi venti minuti in un esempio di cinema ad orologeria dalle coordinate paranoidi, uno dei tanti depistaggi di un film glaciale e chirurgico che disseziona progressivamente i paradossi del sistema; come se quella relazione tra legalità e male desunta dagli abissi del cinema “nero” e che ha attraversato un ventennio di intimità pericolosa tra legge e menti criminali (Manhunter, Il silenzio degli Innocenti, Se7en) fosse trasferita dall’anima ad un livello politicamente più vasto, nei luoghi dove il male ha ormai sedimentato le sue radici; quella di Shelton, personaggio molto più complesso di una semplice vittima, è l’immagine di un’America che collassa su se stessa, un circuito chiuso che riproduce lo spettacolo della morte in un teatro senza fondo, dove le aperture, le finestre scopiche e gli specchi vengono normalizzati nella funzionalità diegetica del ritmo; dal doppio teatro di uno spettacolo per famiglie messo accanto a quello altrettanto “quotidiano” di un’esecuzione capitale, fino al DVD sullo smembramento di Clarence Darby (Chrsitian Stolte) che viene recapitato alla famiglia dell’avvocato Nick Rice (Jamie Foxx). Vero e proprio cuore nero del sistema Shelton mette in pratica quello che il suo paese gli ha insegnato attraverso una conoscenza specifica del codice, spingendo la proliferazione del crimine sul limite in cui questo arriva a confondersi con le leggi di uno stato democratico; per altre strade e attraverso un cinema granitico Law Abiding Citizen nasconde la stessa disperazione dell’ultimo film di Jacques Audiard tradotta anche in termini visivo-spaziali; lo scambio vertiginoso tra dentro e fuori che Audiard filma con rigore antropologico, Gray lo affida ad una visionarietà tutta Americana per le fughe, le aperture, i tunnel sotterranei, l’ipertrofia degli sguardi di sorveglianza, vere e proprie macchine senza soggetto, i dispositivi nanotecnologici, la con-fusione tra sguardo reale e occhio virtuale, la guerra invisibile che separa la morte dal carnefice e disincarna lo sguardo soggettivo; davvero un cinema di visioni extra-ordinarie.

Rassegna di Cinema Giapponese a Firenze, 10-14 Novembre 2010

Indie-eye cinema >> Straneillusioni — Sun, 29 Aug 2010 09:47:31 +0000

Nel 2009 la prima rasegna di Cinema Giapponese a Firenze ha raccolto più di 10.000 presenze in 4 giorni di programmazione, merito di un concept del tutto particolare per un festival di cinema: far uscire il cinema dalla sala, grazie ad una serie di eventi correlati realizzati a partire dagli stimoli e dai temi affrontati dai film; musica, cibo e costumi tradizionali “occupavano” civilmente la città di Firenze in una Kermesse non stop con i colori e i sapori del Giappone. La Rassegna di Cinema Giapponese a Firenze torna nel 2010, dal 10 al 14 Novembre, per una seconda edizione di cui conosciamo solamente alcuni elementi ma che si preannuncia molto ricca, a cominciare da dieci film della cinematografia Giapponese contemporanea e non scelti secondo il criterio di tradizione e innovazione; 4 nuclei tematici e stilistici caratterizzeranno le opere in programma, sempre proiettate in lingua originale con sottotitoli italiani: la commedia giapponese nelle sue piu’ inaspettate variazioni; la tradizione e l’innovazione del cinema dei samurai; il documentario come specchio della società giapponese e del racconto di essa e una sezione dedicata al cinema di animazione Giapponese. La Location sarà sempre quella della chiesa di S. Stefano al Ponte con una serata dedicata al cinema dei samurai programmata al cinema Odeon – Firenze. Tra gli eventi collaterali, spicca la presenza della compagnia Kamui di Tetsuro Shimaguchi, noto per aver diretto e interpretato nel 2003 le scene di combattimento per il Kill Bill di Quentin Tarantino; Kamui sarà presente durante la rassegna per una serie di spettacoli ancora in via di definizione, in collaborazione con Odeon, Teatro del Sale, Chiesa di S. Stefano al Ponte e una location prestigiosa che dovrebbe ospitare l’intero spettacolo. Tetsuro Shimaguchi sarà protagonista anche di un workshop aperto a tutti gli appassionati per svelare i segreti dell’arte della spada. Oltre a questo, sono previste cinque serate in collaborazione con il Teatro del sale, dedicate a performer e musicisti Giapponesi che si esibiranno lungo tutto il corso della rassegna; e non è finita, un mercatino Giapponese con prodotti tipici dal giappone, sarà allestito in una location del centro storico ancora da definire, inoltre il ristorante Eito si occuperà come l’anno passato degli stand Gastronomici, e l’apertura della rassegna sarà affidata come al solito alla tradizionale sfilata di Kimono per il centro fiorentino quest’anno affiancata da una più “pop” sfilata Cosplay prevista per il 13 Novembre. Per informazioni e per partecipare alle sfilate è necessario scrivere a info@tokaghe.com. Presto sarà lanciato il nuovo sito ufficiale della rassegna, per il momento è possibile seguire gli aggiornamenti in corso d’opera attraverso il gruppo Facebook dedicato all’evento che si trova da questa parte: http://www.facebook.com/group.php?gid=168364918197&ref=ts
. Altre informazioni possono essere reperite attraverso il sito ufficiale dell’associazione Tokaghe, che organizza il festival, da questa parte www.tokaghe.com

Satoshi Kon, un ricordo

Indie-eye cinema >> Straneillusioni — Thu, 26 Aug 2010 08:42:34 +0000

All’età di 46 anni Satoshi Kon, il regista di alcuni tra i film d’animazione più belli degli ultimi anni, è morto. Lo si è appreso attraverso un annuncio pubblicato su Twitter da Yasuiro Takeda dello studio Gainax che non aveva ancora fornito dettagli ufficiali ma che raccontava di aver avuto la conferma tramite Masao Maruyama degli studios Madhouse. Un’ulteriore notizia è apparsa sul sito ufficiale del regista con una nota della moglie Kyoko Kon che parla di un cancro al pancreas e del decesso avvenuto alle 6:20 del 24 Agosto; nota replicata sul sito della Madhouse a distanza di poche ore. Il direttore della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, Marco Mueller, ha inviato a Masao Maruyama e al team Madhouse un messaggio nel quale ricorda l’amico Satoshi Kon, che aveva partecipato nel 2006 in concorso alla 63. Mostra con il film d’animazione Paprika. “Kon-sensei ci ha lasciato. È stato uno degli inventori delle nuove immagini e delle nuove narrazioni – sempre imitato, mai superato. Il cinema, tutto il cinema (non solo il cinema giapponese o il cinema di animazione), è improvvisamente più povero. Continueremo a guardare a lui, ai suoi film, per pensare il futuro della cultura visiva e digitale”. Un messaggio certamente dettato dall’amore e dalla passione e non da ragioni di circostanza, considerato quello che scriveva nel 2009 lo stesso Mueller a proposito del cinema del regista giapponese nella prefazione all’unico libro uscito in Italia su Satoshi Kon – Satoshi Kon. Il cinema attraverso lo specchio di Enrico Azzano, Andrea Fontana e Davide Tarò “È una necessità, quella di rimettere al centro del discorso del cinema d’animazione contemporaneo un artista come Kon Satoshi, votato ai più temerarari esperimenti, probabilmente (assieme a Oshii Mamoru) il più bizzarro ed eccentrico dei protagonisti del cinema anime nell’epoca di Miyazaki Hayao. (…) Il felice incontro tra la sproporzione ironica e l’infedeltà ai luoghi comuni, tra il virtuosismo più generoso e l’illusionismo dei più scaltriti viene esaltata dal particolarissimo tipo di sensibilità artistica visionaria, che conferma il suo cinema come uno delle pagine più stimolanti dell’industria culturale manga e anime. (…) Kon Satoshi è un regista che lavora sugli interstizi del reale, per recuperarne il dionisiaco e l’assurdo, lavora sullo scarto, il dérapage tra universale e reale, per catturare ogni tipo di ambiguità, rendere tutta la gamma dei chiaroscuri. L’allucinazione, per funzionare, darsi a vedere, ha bisogno di interrompersi, essere una parentesi, produrre uno scarto (o prodursi in esso). (…) A scanso di equivoci, bisognerebbe domandarsi se tutto questo è, come si diceva una volta, poesia o non-poesia. E rispondere che sì, poesia visionaria il cinema di Kon Satoshi lo è, senza dubbio”.

Satoshi Kon nasce a Tokyo il 12 ottobre del 1963. Nel 1986 si diploma al Musashino College of Fine Arts di Tokyo. Quattro anni più tardi pubblica il fumetto Kaikisen. In precedenza aveva già disegnato un manga su commissione intitolato Toriko, anarchico e fantascientifico. Fin da giovane è uno dei discepoli prediletti di Katsuhiro Ôtomo. Nel 1991 adatta a fumetti World Apartment Horror, il film di Ôtomo a cui aveva collaborato in fase di progettazione. L’anno successivo collabora con Mamoru Oshii come autore dei fondali nel film Patlabor Movie 2. Nel 1995 scrive e cura il layout del corto Kanojo no Omoide, primo segmento animato del film di Ôtomo Memories. Nel 1997 dirige il suo primo film Perfect Blue, il primo pyscho-suspense anime mai prodotto in Giappone. Di una “magnifica ossessione” parla l’opera seconda Millennium Actress (2001), con protagonista una sorta di Greta Garbo dagli occhi a mandorla di nome Chiyoko Fujiwara. Durante la lavorazione del film trova il tempo di aiutare ancora Ôtomo nella faticosa lavorazione del kolossal Steamboy. Il film che lo fa conoscere in Italia è Tokyo Godfathers (2003), una favola natalizia che spruzza di bianco la solitamente impeccabile Capitale giapponese vestita high-tech, e che racconta l’insolito caso di una trovatella finita nelle mani di un trio di senzatetto. Satoshi Kon è poi approdato sul piccolo schermo con una serie tv di 13 episodi, Paranoia Agent, storia di un malessere cittadino che ha la forma di un anonimo ragazzino con mazza da baseball, che semina il terrore. Nel 2006 ha presentato con successo alla 63. Mostra di Venezia il film d’animazione Paprika (in concorso), ispirato alla popolare serie di romanzi sci-fi di Yasutaka Tsutsui (in particolare all’omonimo romanzo del 1993). Al momento il regista stava curando la produzione del suo quinto film, The Dream Machine.

Amos Poe, la commedia, a Venezia 67

comunicato stampa — Tue, 24 Aug 2010 15:00:10 +0000

La Commedia, il nuovo film prodotto e diretto da Amos Poe, uno dei protagonisti del movimento underground cinematografico della “No Wave Cinema” newyorkese e capostipite del cinema indipendente americano, sarà ultimato in tempo per la 67. Mostra. Il film sarà presentato in prima mondiale, Fuori concorso venerdì 3 settembre a mezzanotte in Sala Grande. Le letture dei versi di Dante all’interno del film sono recitate da Roberto Benigni (Paradiso) Alfonso Santagata (Inferno), Sandro Lombardi (Purgatorio). Loretta Mugnai è la raffigurazione metaforica di Beatrice Portinari; le musiche sono di Debbie Harry, Decay of Angels, Hayley Moss, Peter Gordon, Muchael Duclos, Brenda Elthon, Paraphilia, Dave Mitchell, Riccardo Moretti e Andres Nazrala. La Commedia di Amos Poe si ispira per la maggior parte al capolavoro letterario di Dante Alighieri e a The Horse in Motion di Eadweard Muybridge, considerato da molti uno dei pionieri del cinema, per la rivoluzionaria scoperta della fotografia in movimento alla fine dell’Ottocento. L’idea chiave del film è quella di un viaggio in movimento: il viaggio delle nostre vite attraverso l’Inferno, il Purgatorio ed il Paradiso, tracciando uno schema di eventi. Amos e Dante sono due “viaggiatori” che si confrontano nel pieno di una crisi di mezz’età: “Nel mezzo del cammin di nostra vita | mi ritrovai per una selva oscura…”, come recita l’incipit dell’Inferno. La Commedia è concepito come un documento di “cinema-verità” sull’esilio di Poe in Italia e Francia, in particolar modo a Firenze. Si concentra innanzitutto sulla percezione del movimento nel cinema, pur mantenendo una “struttura narrativa” completamente soggettiva. Il film è composto da ventimila suddivise in tre sequenze cinematografiche (100 minuti, come i cento canti della Commedia) che richiamano il viaggio allegorico di Dante Alighieri alla ricerca di Beatrice attraverso Inferno, Purgatorio e Paradiso: una sorta di reinvenzione della Divina Commedia per il nostro tempo, settecento anni dopo il rivoluzionario capolavoro di Dante Alighieri. Poe sbozza sullo schermo un nuovo volgare, un “dolce stil novo”. Il regista ha dichiarato: «Volevo girare un film, ed ero alla ricerca di un buon scrittore. Ho immediatamente pensato a Dante. La Commedia è cresciuta in modo organico a partire dalle mie letture della Divina Commedia, dal fascino evocato dalla riscoperta delle origini del cinema come flusso di immagini in movimento e come poesia, e grazie all’aiuto di migliaia di fan su Facebook. Mi auguro che lo spettatore sia rapito da ciò che accade sullo schermo e da ciò che verrà evocato in lui a livello emotivo. Credo che la magia del cinema stia proprio in questa interazione di universi narrativi, quello visivo e quello interiore». Il film è una produzione d’avanguardia, che si fonda sull’ampio sostegno derivante dai social network quali YouTube, Facebook e Kickstarter, come impulso all’attività di produzione cinematografica di oggi, ed è stato prodotto dal suo stesso autore, in collaborazione con i produttori Elena Santamaria, Ben Bindra, JR Skola e Victoria Bousis.