Quella di Urbino è stata l’unica data estiva in Italia per gli Okkervil River, a concludere l’ultimo breve spezzone europeo del tour di supporto a “The Stage Names” e, in parte, di anticipazione di “The Stand Ins”, in uscita a settembre. Ottimo concerto quello della band capitanata da Will Sheff, da considerarsi ormai garanzia di qualità e divertimento.
Inizio abbastanza morbido con “Plus Ones”, stupenda ballata contraddistinta da un testo ironico e al tempo stesso profondo. Con il secondo ed il terzo pezzo, “A Hand To Take Hold Of The Scene” e “Black”, i texani dimostrano di essere realmente irresistibili quando il ritmo aumenta. Will Sheff si muove come un pazzo per il palco spinto da chissà quale forza e crea un gran rapporto con il pubblico, praticamente obbligato a saltare e cantare dai ritmi incalzanti dei due brani. Si torna su cadenze più lente con la successiva “A Girl In Port”, per poi ascoltare in anteprima il nuovo singolo, “Lost Coastlines”, assimilabile ai brani più veloci di “The Stage Names”, con gran lavoro di fiati e piano nel finale. Spazio poi per due tra i brani più drammatici dell’intera produzione degli Okkervil River, entrambi da quel gioiello che è stato “Black Sheep Boy”, cioè “A Stone”, che eseguita in acustico assume se possibile ancor più capacità di colpire e viene ascoltata da tutti in religioso silenzio, e “So Come Back, I Am Waiting”, ricca ed elaborata anche in questa dimensione live. Dopo “John Allyn Smith Sails” Sheff e compagni, sempre più padroni del palco, si buttano in una travolgente esecuzione di “Our Life Is Not A Movie Or Maybe”, a cui è impossibile assistere restando fermi. Le due anime della band trovano espressione anche nei brani posti in finale di set: “For Real” è intensa ed emozionante, frutto di una capacità di scrittura eccezionale, mentre “Unless It’s Kicks” è festosa e trascinante, senza per questo perdere in qualità.
C’è purtroppo tempo per un solo bis; la scelta cade su “Westfall”, ballata dalle tipiche sonorità alt-country tratta da “Don’t Fall In Love With Everyone You See”. Perdiamo così l’occasione di sentire un altro inedito, “Blue Tulip”, per cui aspetteremo le date di novembre a Milano, Roma e Bologna.

[Foto di Francesca Pontiggia - Per il foto set completo del concerto dei Massimo Volume @ Frequenze Disturbate, del 10 Agosto 2008, è necessario cliccare qui. ]

Dopo gli ultimi appuntamenti nel 1997 e nel 2002, vi ritroviamo a Frequenze Disturbate edizione 2008. Quali sensazioni avete per questo ritorno a Urbino?

Em: Abbiamo accettato subito perché ci piace com’è fatto; ci siamo trovati qui già alla prima edizione del festival, tra l’altro proprio in piazza, e abbiamo un ottimo ricordo di quel concerto. Poi io c’ero tornato anche con un paio di reading, in uno scenario davvero molto bello, un chiostro che dava sulle colline marchigiane. Fosse stata un’altra data non so se avremmo accettato così prontamente.

Domanda quasi scontata: nel 2002 i Massimo Volume si sciolgono, poi un mese fa a Torino la reunion per il Traffic Festival. Come e perché è avvenuta?

Em: Perché c’era piaciuta l’offerta che ci aveva fatto il Traffic assieme al Museo del Cinema di Torino; era una doppia data, non consisteva solo nel live dei Massimo Volume, c’era anche una parte in cui noi abbiamo portato del materiale inedito cioè la sonorizzazione de “La caduta della casa Usher” di Epstein. Fosse stato solo il concerto forse avremmo accettato ugualmente dato il prestigio del festival, ma l’idea di poterci mettere in gioco con del materiale nuovo è stato qualcosa in più.

Sensazioni durante il concerto? Com’è andata?

Em: Molto bene; Vittoria si è divertita, io no perché è stata un’emozione enorme, così forte che non ho avuto modo di divertirmi.

Come vi siete ritrovati dopo anni che non vi frequentavate come musicisti e come vi hanno cambiato le esperienze fatte individualmente in questo periodo?

Em: Dico due cose che mi vengono così, a pelle. Una è che mi sembra che comunque abbiamo un suono, faccio fatica a distinguere le parti di chitarra, batteria e basso, ma mi sembra che ci sia un “nostro” suono che mi appartiene anche se in quel momento non sto suonando io; questo lo sentivo prima e continuo a sentirlo adesso. L’altra è che abbiamo affrontato questo ritorno, estemporaneo o meno, con un po’ più di leggerezza: prima la nostra famiglia, la nostra vita erano i Massimo Volume, era molto bello ma anche più impegnativo; adesso invece ci siamo un po’ più “espansi” nel mondo e lo viviamo sì come qualcosa di molto importante ma, ripeto, con più leggerezza.
Vi: La penso allo stesso modo; a livello di autonomia personale, a livello psicologico prima eravamo molto più “impastati” perché eravamo cresciuti insieme o comunque abbiamo passato tantissimi anni della nostra vita insieme; ora abbiamo vissuto delle esperienze personali che ci hanno reso più autonomi. Invece dal punto di vista del musicista l’esperienza coi Franklin Delano mi ha cambiato per quanto riguarda i concerti, ho fatto un tour in America di 40 date in tre mesi, in cui ogni giorno vieni sottoposto a problemi che devi risolvere e che rendono diverso il tuo rapporto col palco.
Eg: Mi accodo a quello che hanno detto loro; in questi anni ognuno ha visto che anche da solo riesce ad andare avanti: potrebbe essere considerato un limite per un gruppo, ma in fondo non lo è, vivi l’esperienza con più relax sapendo che cose che non riesci ad inserire in quel progetto puoi farle in un’altra maniera, evitando così certi tipi di tensione che affiorano nelle dinamiche interne di una band.
Em: per me è da sottolineare anche la presenza di Stefano Pilia, che è il chitarrista che ha suonato con noi a Torino, che probabilmente è il migliore che abbiamo mai avuto.

In questo frullatore che è oggi il mercato della musica contemporanea, come vi trovate a suonare album che hanno un senso compiuto nella loro interezza, mentre in radio e sui talk passano solo singoli usa e getta?

Eg: Innanzitutto bisogna distinguere quella che è la scena indipendente a cui noi, bene o male, siamo sempre appartenuti, che non è fatta di hit, di numerosi passaggi in radio, bensì il più delle volte di opere compiute, dischi, non proprio concept album ma qualcosa comunque da apprezzare nel suo insieme. Per cui su questo tipo di presupposti non ci sentiamo distanti da ciò che facevamo prima, se non che adesso riproponiamo cose che sono di 6, 7, anche 10 anni fa. Di conseguenza non sentiamo questo gap con i prodotti che si sentono in radio anche perché in radio non siamo mai passati così spesso. L’eventuale scommessa per noi sarà in futuro, ce la giocheremo tra di noi.

In “Ravenna”, brano dell’album “Lungo i bordi”, viene affrontato il tema della provincia italiana. Come lo sentite?

Em: Noi veniamo tutti dalla provincia, poi Bologna ci ha raccolto, ci ha viziato, ci ha fatto conoscere, ma il nostro imprinting è molto di provincia. Mi sembra che molta cultura italiana sia stata fatta in provincia, credo abbia dato molto, anche rispetto ad altre province europee, dove magari invece è tutto incentrato sulla capitale; penso alla Francia dove c’è Parigi e tutto il resto è una grande provincia. Oltre a questo la provincia ti dà anche un atteggiamento un po’ più disincantato senza troppo generalizzare rispetto a chi proviene dalla città.

Cosa pensate della scena musicale indipendente italiana di oggi e quali sono le differenze rispetto a quando avete iniziato come Massimo Volume?

Vi: Sicuramente è molto diversa dal punto di vista delle strutture: il mercato discografico è cambiato, non si vendono più dischi, c’è il download come tutti sappiamo; per cui le agenzie anche grosse che c’erano come la Mescal e i Dischi Del Mulo, molto importanti per la nostra generazione, non ci sono più e questo ha fatto sì che si disgregasse un po’ il tessuto. Io non riesco a fare un discorso sulla creatività perché adesso seguo meno la scena però mi sembrano tutti fenomeni più polverizzati rispetto a prima quando invece c’era una vera e propria generazione di musicisti; credo siano i problemi economici e strutturali di tutto il mercato discografico a portare a questa disgregazione della scena.

Pensate a Inverno ’85; alcune band in Italia, senza far nomi, e molti appassionati, forse stanno facendo con i vostri dischi quello che tu facevi con “Wicked Gravity” di Jim Carroll. Tu cosa ne pensi?

Em: Non so, però sarebbe divertente vedere qualcuno di fronte allo specchio che fa “il primo dio”. Credo ci sia un momento generazionale, un momento dell’adolescenza, in cui si ha bisogno di riconoscersi in qualcuno. Poi si torna al problema della provincia dove spesso ti senti un po’ una mosca bianca; tutti quanti noi una volta arrivati a Bologna ci siamo conosciuti, non solamente noi 3, c’era un’idea un po’ più ampia di scena; a San Benedetto questo non c’era e c’era più bisogno di trovare degli amici e dei personaggi a cui ispirarsi. Ripensandoci ora a me basta l’immagine dei miei miti, non ho mai avuto voglia di conoscerli veramente perché mi sembra più potente l’immagine che mi sono fatto io piuttosto che confrontarsi con la realtà e con la mediocrità umana che ci attanaglia tutti.

Qual è il vostro rapporto con gli Stati Uniti e con la musica americana? Spesso siete stati accostati a gruppi del filone post-rock, a partire dagli Slint.

Em: E’ vero che ci sono dei punti di contatto ma ai tempi non conoscevamo quei gruppi che sono usciti quasi in contemporanea a noi; penso che forse arrivavamo dagli stessi ascolti.
Eg: Noi non sapevamo nemmeno che cos’era il post-rock, per anni ci hanno detto che somigliavamo agli Slint ma io per un anno o due non li conoscevo; però essendo della stessa generazione ci siamo dissetati alle stesse sorgenti, siamo di un periodo in cui quello che ascoltava un ragazzo a New York probabilmente riuscivamo ad ascoltarlo anche noi a Bologna non c’erano grosse difficoltà di reperimento in più eravamo abbastanza curiosi.
Vi: Io penso che da un certo periodo storico in avanti tutto l’occidente a livello di generazioni ha avuto le stesse sorti. La sfortuna nostra e di tanti gruppi italiani è che non siamo anglofoni e questo ci esclude da un mercato molto più grosso, secondo me molti gruppi italiani potrebbero stare a New York e conquistare il mondo “facendo” i Massimo Volume o altri in inglese; il fatto di non essere nati anglofoni ci esclude, ci limita, anche se poi a noi va benissimo muoverci in Italia. Però se c’è un limite è quello della lingua.

Ad Emidio. “così vicini, così lontani”, così si potrebbe definire il rapporto tra lingua scritta e lingua parlata. Come hai vissuto tu questo tipo di rapporto, visto che ti sei mosso “lungo i bordi” dell’una e dell’altra?

Em: Direi bene, ma in parte, perché quando mi sono ritrovato a scrivere allo stesso tempo un romanzo e i testi di alcune canzoni non è stato un passaggio facilissimo. C’è infatti un respiro diverso tra quello che è un testo e quello che è invece la forma pagina scritta. E’ vero che si tratta sempre di scrittura, ma da una parte, parlo dei testi, giochi più sulla sottrazione perché devi cercare di catturare l’attenzione con poche frasi potenti, dall’altra il romanzo ti dà la possibilità di rallentare il ritmo. Spero di continuare a tenere in piedi entrambe le cose; credo ci siano pochi scrittori che riescono a mantenersi esclusivamente scrivendo romanzi si rientra nella categoria dei lavori/hobby come anche un po’ quello di musicista, quindi mettendo assieme i due hobby fa un quasi-lavoro.

Ad Amsterdam lo scorso anno è stata inaugurata una grande biblioteca dove la musica pop e rock ha la stessa dignità dei classici greci e latini. Come vi ci sentireste voi?

Em: Io non sento questo peso di non essere riconosciuto, o che quello che facciamo viene reputato musica popolare, pop e che ci sia un gap rispetto alla classica; accetto con disinvoltura lo spazio che ci è sempre stato dato e che mi sembra quello giusto, alla fine. E’ chiaro che ora vediamo prospettivamente come classici le opere greche, latine, rinascimentali, mentre è difficile capire quale importanza abbia nella storia della cultura, non dico quello che stiamo facendo noi, ma in generale quello che sta accadendo in questo periodo; credo che la selezione avvenga col tempo. Ora ci prendiamo quello che ci viene dato e mi sembra già sufficiente.

Se dovessi rispondere d’istinto a quali personaggi letterari ti senti più vicino?

Em: Ce ne sono veramente tanti; quelli che mi hanno influenzato nel periodo in cui non avevo ancora trovato la mia voce sono stati sicuramente gli americani, da Carver a Steinbeck, anche Hemingway; ora le mie letture sono abbastanza varie, ma anche disordinate. Per esempio leggo dei libri che reputo bellissimi ma che poi non mi porto dietro e non mi aiutano nella scrittura; quindi non saprei dirti quali mi abbiano veramente influenzato e quali invece siano stati solo uno splendido momento di lettura.

Per quanto riguarda la partecipazione a “le città viste dal basso” con i Perturbazione, cosa ci puoi raccontare?

Em: Secondo me è carina l’idea di portare in scena l’Italia attraverso le canzoni, e poi mi è piaciuta anche perché non c’erano pregiudizi su dove andare a pescare le canzoni; era piuttosto trasversale si andava da De André e Fossati fino ai testi dei Massimo Volume. Mi piaceva per questo suo non essere settoriale. Inoltre loro sono degli amici ci siamo sempre divertiti a farlo. Il prossimo appuntamento sarà a Riva del Garda il 13 settembre.

Nelle vostre canzoni hanno sempre avuto un ruolo rilevante gli spunti autobiografici legati alla vostra esperienza e alle vostre amicizie a Bologna. Nel 2008 come pensate di proseguire con questo filone nei vostri testi? E qual è il vostro rapporto oggi con la città?

Em: L’impronta autobiografica c’è stata e probabilmente rimarrà, magari più edulcorata; i nuovi testi, se ci saranno ne dovranno tener conto; non posso rifarmi a un passato che non mi appartiene più. Tanti personaggi di Bologna che ho descritto continuano ad essere miei amici e mi piacerebbe descrivere anche qual è stato il loro cambiamento, può essere affascinante raccontarlo. C’è molta curiosità su come sta cambiando Bologna, da molti viene vista in decadenza. Io sinceramente non me lo chiedo più, vivendoci da 25 anni e vivendola nella mia quotidianità non mi sveglio tutte le mattine pensando “dove sta andando a finire la mia città?”, ma se ci penso posso dirti che questo non è sicuramente il suo periodo migliore. Non voglio essere passatista ma dico che al di là di alcune scelte sbagliate della giunta forse sono semplicemente dei passaggi generazionali, magari tra poco tornerà una nuova scena sarà di nuovo molto fresca e propositiva. In questo senso non so quanto io sarei pronto a viverla e comunque sarebbe giusto che ci fosse una nuova generazione a farlo, dal punto di vista della “proposizione sociale” noi abbiamo già dato.
Vi: porterei l’esempio di Torino; ci siamo stati 4-5 giorni per il Traffic e ho trovato una città propositiva anche dal punto di vista adulto mentre a Bologna ci si limita alle iniziative per la fascia di età degli studenti come il Link che frequentavamo 10-15 anni fa. A Bologna non c’è capacità di utilizzare la cultura da parte della politica: continuando il paragone con Torino quello che sono riusciti a fare al Traffic, cioè far respirare tutta la città attorno al festival, oggi a Bologna non sarebbero in grado di farlo.
Em: Va bene il discorso sulla politica, ma secondo me se c’è realmente una scena potente questa va al di là della politica, non ci si preoccupa di chi è l’assessore alla cultura. In altri paesi in momenti di particolare chiusura è comunque riuscita ad emergere una forte scena culturale.
Vi: Io non credo mai che ci sia crisi creativa, credo che non si riesca a far emergere la creatività che in fondo c’è sempre

Cosa ci dobbiamo aspettare dai Massimo Volume nel 2008? Altri concerti in giro per l’Italia? Un disco nuovo?

Em: Ci stiamo pensando, ci siamo dati tempo visto che adesso c’è lo “sciogliete le righe” di metà agosto; a breve volevamo parlarne anche tra di noi. Come diceva Egle, possiamo provare a fare un disco ma bisogna vedere cosa succede in sala prove, che il materiale sia bello, all’altezza degli altri dischi.
Eg: L’importante è che piaccia a noi tre, poi il resto è relativo.

[Foto di Francesca Pontiggia; per il foto set completo del concerto di Cristina Donà del 9 agosto 2008 al Frequenze Disturbate di Urbino, è necessario cliccare qui ]

Di nuovo a Urbino dopo la tua partecipazione alle edizioni del festival del 1998 e del 2000. Quali sensazioni ti provoca questo ritorno?

Sono felice di tornare qui. Ho bei ricordi in particolare del concerto del 2000; in quell’occasione aveva piovuto tutto il giorno, si temeva che il concerto sarebbe saltato, invece alla fine tornò il sereno e suonammo quasi a sorpresa; riuscii a vedere anche una stella cadente. C’è inoltre un legame affettivo, ho molti amici marchigiani, a partire da Michele Monina, con cui ho scritto un libro e grazie al quale ho ampliato le mie conoscenze nelle Marche.

Parliamo de “La quinta stagione”. Cosa c’è dietro questo titolo, legato alla spiritualità?

C’è una ricerca, che partiva da un periodo particolarmente impegnativo della mia vita; una ricerca se vuoi spirituale legata alle discipline che riguardano la medicina tradizionale cinese su cui ho letto dei libri. Quando ho sentito per la prima volta citare una quinta stagione mi ha affascinato il concetto e l’ho approfondito. La quinta stagione è una stagione intermedia, una parte della medicina tradizionale cinese la vede come un periodo fondamentale situato tra la fine dell’estate e l’inizio dell’autunno. Il primo brano, da cui è partito il progetto del disco, è “Settembre”, che eseguivo già nel ’96 ed è nato come solo vocale poi col tempo è stato un po’ arrangiato. Da lì sono seguiti gli altri che non si riferiscono tutti direttamente a quel tema, ma ci sono dentro un sacco di cose, il concetto di preparazione e quello di passaggio che sono tipici proprio della quinta stagione.

E’ stata una scelta legata ai temi far uscire il disco a settembre?

Sì, avrei voluto ripeterlo per “Piccola faccia”, facendolo uscire questo settembre anche perché non mi pareva un album primaverile ma alla fine sono stata così contenta del risultato che mi è andata bene l’uscita a marzo, l’ho vista come una specie di finestra sulla quinta stagione. Il disco precedente ha comunque un’anima acustica con caratteristiche e suoni non molto lontani da quelli di “Piccola faccia”.

Come dicevi, “La quinta stagione” ha nella scrittura elementi acustici, mentre “Piccola faccia” è una rivisitazione completamente acustica dei tuoi brani. Qual è il legame profondo tra i due dischi?

Il legame sta nel fatto che fondamentalmente io compongo quasi sempre chitarra-voce, a parte alcuni brani che nascono da esperimenti percussivi o da qualche accordo al piano. Quindi la base è quella; l’idea di base di “Piccola faccia” è di presentare i brani come sono nati e anche di soddisfare una richiesta che mi è arrivata più volte dopo i concerti che io eseguivo da sola, di avere una testimonianza su cd di questi brani così acustici. Il legame sono io alla fine; poi mi piace entrare in studio e pensare come arrangiare un brano, però secondo me una canzone è tale se resta in piedi così, magari anche solo cantata, come ad esempio “Settembre”.

Perché stasera un set elettrico?

La mia intenzione era di far uscire a settembre “Piccola faccia” anche perché volevamo proseguire con il tour con la band di “La quinta stagione” in estate. Ci ha messo un po’ in difficoltà l’uscita di un disco così diverso da quello che stavamo proponendo live in quel momento, anche perché quando esce un disco il pubblico si aspetta giustamente che tu promuova quello; d’estate, visto che spesso si suona nelle piazze e in luoghi aperti, e dato che il tour precedente era stato di sole 15 date, portiamo in giro questo set elettrico poi ne faremo uno super-acustico quest’inverno con Francesco Garolfi che è il chitarrista di “Piccola faccia”. Stasera aprirò il concerto con un pezzo chitarra-voce da sola per legare in qualche modo le due cose.

Nel corso della tua carriera hai incontrato in modo diretto il mondo della scrittura e della letteratura. Mi riferisco a “Appena sotto le nuvole”, una raccolta di tuoi scritti pubblicata da Mondadori nel 2000, e il lavoro più narrativamente strutturato di “God Bless America”, scritto con Michele Monina. Com’è stato muoversi tra questi due mondi così vicini e così lontani come quello della scrittura e della musica?

Io non mi sono mai considerata una scrittrice, ho cominciato a scrivere testi perché dopo anni in cui mi sono esibita con delle cover sentivo l’esigenza di cantare cose mie e quindi la scrittura diventava indispensabile. Non ho l’idea di essere una scrittrice perché non ne ho le capacità, non ho il background, non ho letto così tanti libri da essere in grado di scriverne uno se non una sorta di raccolta di pensieri come era concepito “Appena sopra le nuvole” che si ricollegava al mio lavoro di cantautrice. Avevo cercato di diversificare un po’ il linguaggio, oltre a testi di canzoni c’erano anche altre cose. Tra l’altro sono felice di avere ritrovato ed acquistato alcune copie dalla Mondadori, non si trovavano più in commercio mentre ai concerti un sacco di gente lo richiedeva. “God Less America” invece è scritto da Michele Monina perché alla fine lo scrittore era lui, ci sono dei miei pensieri; in realtà doveva esserci molto più di mio ma ho deciso che andava bene così. La relazione tra musica e scrittura, quando si parla di cantautori, per me è sempre stata molto forte perché ho sempre dedicato molta attenzione ai testi. Quando ho iniziato a scrivere cose mie la prima esigenza è stata avere dei testi forti che andassero contro certe logiche anche perché uscivo per un’etichetta come la Mescal; non avevo nessun vincolo ho scritto quello che mi veniva in mente e che mi piaceva. E’ un rapporto interessante anche difficile; Davey Ray Moor, che è il produttore di due miei album, mi ha detto che a volte le parole possono rovinare e turbare la magia della musica, ed è vero: io ogni volta cerco di far sì che vadano d’accordo.

Se dovessi rispondere d’istinto a quali personaggi letterari senti più vicini e più tuoi?

Citerò solo delle donne perché sono le prime che mi vengono in mente e quelle a cui mi sono più affezionata ultimamente. Io mi sono innamorata di una poetessa polacca, premio Nobel per la letteratura, Wislawa Szymborska. L’ho conosciuta perché mi hanno regalato un suo libro di poesie, che è “Gente sul ponte”. Qualche tempo prima ho conosciuto Ippolita Avalli, una scrittrice romana autrice di libri molto belli, romanzi con una forza disarmante. Poi c’è Sylvia Plath, ho curato per il Roccella Jonica Jazz Festival un tributo alle sue poesie. C’è da considerare l’influenza, che è stata fondamentale, di un marito come il mio, Davide Sapienza, scrittore e giornalista straordinario che ama moltissimo la letteratura e che quindi mi passa dei libri; in questo caso cito il filone legato a Jack London o a personaggi come Barry Lopez che siamo anche andati a trovare l’anno scorso. Poi mi sono letta, un anno e mezzo fa, “Il profumo” di Suskind che mi ha ispirato per una canzone, “Laure (il profumo)” perché è un libro straordinario.

Restando in tema letterario, ad Amsterdam è stata da poco inaugurata una nuova biblioteca in cui la musica pop ha la stessa dignità dei classici greci e latini. Come ti ci sentiresti?

Lasciando perdere me, perché non saprei come collocarmi, credo che ad esempio Battisti-Mogol o De André non abbiano nulla da invidiare agli autori greci, ai filosofi, a quelli che hanno scritto una parte della storia dell’umanità. Questo è uno dei grossi problemi in Italia, non riconosciamo valore alla musica pop, sembra quasi che ne abbia solo la classica. In realtà conosco musicisti classici che non hanno nessuna passione per la musica che hanno studiato, al contrario invece di altri. Per esempio si dice che Paul Mccartney ancora oggi non sappia leggere uno spartito e non mi pare una cosa che possa diminuire ciò che hanno fatto i Beatles.

Qual è il tuo rapporto con la musica internazionale?

Il mio rapporto è con la musica in generale; i miei ascolti arrivano dall’estero, se mi chiedi del mio rapporto con la musica internazionale al massimo posso dirti degli artisti che mi piacciono, non di come io penso di poter entrare nel mercato internazionale.

Cosa puoi dirci invece del tuo rapporto con il pubblico italiano? Ti abbiamo vista a Sanremo per il duetto con Nada.

Mi sento in una situazione strana; quelli che mi seguono da anni hanno una percezione molto positiva del mio percorso e tendono a vedermi come una persona che è diventata “famosa”; quelli che invece guardano solo la tv e magari mi conoscono solo per una apparizione come quella di Sanremo si chiedono come mai non appaio tanto. Alla fine per me l’importante rimane continuare a fare della buona musica.

Vorrei sapere il tuo legame con l’arte contemporanea e se ci sono artisti che in qualche modo influenzano il tuo lavoro.

E’ una domanda molto bella che non ha, purtroppo, una risposta positiva. Io arrivo da studi artistici, ho fatto scenografia e prima ancora il liceo artistico, ma da un certo punto ho abbandonato la passione per l’arte anche come visitatrice di musei. Cercherò di recuperare, mi piacerebbe molto poter dedicare un album a un artista, legato alle sue immagini o installazioni.

Cosa pensi del momento che sta vivendo la musica indipendente in Italia?

Lo stato attuale è abbastanza tragico perché la discografia è in crisi, come ben sappiamo. Potrebbe essere un momento di rinascita se si riuscisse a trovare velocemente qualcosa di innovativo, magari da parte delle poche etichette indipendenti rimaste o dei musicisti che si danno da fare da soli attraverso Myspace. Prima si trova una nuova via, quasi sicuramente nel digitale, e prima si riuscirà ad uscire da questa impasse. Il problema adesso è che realizzare e pubblicare un disco è molto dispendioso rispetto a quelli che sono i guadagni, anche per le major. Posso portare l‘esempio della Emi, e lì il discorso diventa paradossale se si pensa che ha pubblicato i Beatles e che ha in catalogo i Pink Floyd e altri nomi paurosi, e ci si può chiedere dove abbiano buttato i soldi: hanno sicuramente fatto grossi errori, questo è chiaro. La situazione non è semplice, per gli artisti indipendenti ormai la via è preparare il disco, produrselo da soli, e poi proporlo all’etichetta e usarla come appoggio per la distribuzione e la promozione.

“Marry Me” di St. Vincent è sicuramente uno dei migliori dischi dello scorso anno, esempio di ottimo songwriting e di incredibile capacità di coniugare linguaggi diversi, tra jazz, rock e folk.
Normale quindi attendersi molto dall’esibizione di Annie Clark a Urbino nell’ambito di Frequenze Disturbate. Lei ripaga le attese dimostrando classe e talento con un concerto davvero emozionante, sola sul palco con la sua chitarra riesce ad incantare il pubblico anche con le versioni per così dire minimali dei suoi brani. Bastano infatti le sue capacità vocali e di chitarrista a rendere appieno la bellezza delle melodie delle sue canzoni, che già risplendevano con i ricchi arrangiamenti presenti sul disco.
Dopo essere già salita sul palco per duettare con My Brightest Diamond in “Freak Out”, Annie comincia il suo set con quello che è anche il primo brano di “Marry Me”, cioè “Now, Now”, seguito da “Human Racing” e dalla title-track. Già da queste tre canzoni si capisce la bravura della cantautrice, sia dal punto di vista vocale sia strumentale, con delicati arpeggi alternati a sfuriate quasi noise. Sfuriate che accompagnano quasi interamente la successiva “Dig A Pony”, cover dei Beatles che Annie affronta senza timori e con ottimi risultati. A seguire spazio per un inedito, “Bang Bang”, che non solo nel titolo richiama atmosfere anni ’60. Da qui in poi ritorno ai brani del disco, a partire da “All My Stars Aligned”, passando alla più riflessiva “Landmines” e ri-accelerando con la successiva “Paris Is Burning”, cantata con doppio microfono. Finale con l’accoppiata formata da “Your Lips Are Red” e “What Me Worry?”, a ribadire le abilità di Annie sia come intrattenitrice, quando nella prima trascina il pubblico in un battito di mani corale, sia in momenti più intimi, quando nella seconda crea attimi di tensione su cui spicca la sua voce.