Indie-eye - REC

English Version: Elettrofandango – Achab (Blinde Proteus, 2012)

Fabiana Giovanetti — Wed, 16 May 2012 19:43:56 +0000

Stories uncovered from water, in order to become music landscapes of a shamanic ritual. “Achab” is an EP made of five songs and two intermissions, which almost recall the atmosphere of ancient spells and black rituals, all surrounding the theme of water. The shamans are Elettrofandango, an Italian band that create an intriguing mix of stoner, grunge and progressive tunes. Three years after the debut ““In quanto già peccato”, the band recorded “Achab” at the Joe Lambert Mastering (Brooklyn) and released it with Blinde Proteus, a brand new DIY label founded by Simona Gretchen.

“Achab” is a brief journey that starts properly with some drums and percussions in “L’Antro di Achab”; what comes next is a series of ups and downs in which the melancholic atmospheres of Alice in Chains meets the full-bodied sound of Soundgarden, winking at stoner and progressive at the same time (“Achab”). There is a new Golden Age of Italian progressive, as bands such as Polar for the Masses, Vetronova and NUT can attest to. Some of them prefer English language, some others stick with Italian. Luckily enough, Elettrofandango’s lyrics enhance the shamanic feeling, using Italian suggestions as an hypnotic singsong, in which some Metallica-esque solos are smoothed by tribal percussions and captivating vocals on the background (“Nessuno”). The folk-turn of “Polare” is pleasantly surprising, evoking Tom Waits in its folk-noir, almost instrumental by the end with the introduction of unconventional and quiet trumpets, while the brief synth of “Denti” are quite out-of-place in the context. After all this experimenting, the EP closes with a less mordent track, “Vertigo”, in which the stoner and metal-esque tunes get a bit redundant, especially given that this is the longest track of the lot.

“Achab” is a fascinating journey, highly suggested for the ones who are keen on this new instrumental-trend that is also affecting the stoner-progressive area. A shamanic experience that may not be the same as the big “wizards” of the 60s, but it still charms the connoisseurs.

English Version: Elettrofandango - Achab

Elettrofandango on myspace

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Mariposa – Semmai Semiplaya (Trovarobato, 2012)

Emanuele Lanosa — Wed, 16 May 2012 19:04:14 +0000

Alessandro Fiori è uscito dal gruppo. Dopo 12 anni di onorato servizio il folletto toscano abbandona i Mariposa per dedicarsi alla carriera solista. Autore dei testi, cantante e saltimbanco Alessandro lascia un vuoto notevole in una delle band più eccentriche dell’intera penisola. I sei membri resistenti optano per una decisa frattura rispetto al passato scegliendo come nuova cantante della band la bravissima Serena Altavilla, già voce dei Baby Blue. Così trasformati, senza perdere nemmeno un secondo, si cimentano in un mini-album composto da canzoni già edite ma radicalmente trasformate per l’occasione. C’è una versione inglese di ‘Pterodattili’, le riletture di due brani del precedente disco Semmai Semiplay come ‘Tre Mosse’ e ‘Chambre’, le nuove versioni di due brani del repertorio storico dei Mariposa come ‘Specchio’ (tratto da Mariposa del 2009) e ‘Pompelmo Rosa’ (direttamente dal 2002, album: Domino Dorelli). E come chicca finale la cover di ‘Whip It’ dei Devo con tanto di testo italianizzato in ‘Frustalo’. Le capacità tecniche e la pulizia di esecuzione di Serena si contrappongono al genio interpretativo ed istrionico di Alessandro, segnando una profonda discontinuità dal punto di vista vocale. Per quanto riguarda la composizione e gli arrangiamenti dei brani Gabrielli e company si (ri)confermano essere fervidi di idee più di chiunque altro nel panorama nazionale e continuano ad avere un approccio anarchico, psichedelico, naive e spiazzante. Sole sette canzoni per accontentare tutti i palati (e quindi nessuno fino in fondo), si passa dalle atmosfere rarefatte da ballate nord-europee all’ignoranza dell’elettronica Pop-New Wave così come viene concepita fino agli immancabili richiami ai fabolous sixties. Assolutamente indifferenti su ciò che si potrà pensare di loro ed aperti ad ogni tipo di sperimentazione. Si parte dal suono di una chitarra a dodici corde per arrivare quello di un IPhone, passando per il solito piano Wurlitzer e batterie elettroniche Casio. Proprio come ogni sit-com che si rispetti anche i Mariposa basano il loro episodio sul principio che tutto cambi perché nulla cambi.

Mariposa – Semmai Semiplaya

Tracklist

Semmai Semiplaya su Bandcamp

Serena Alessandra Altavilla | voce

Valerio Canè | basso, armonica

Enzo Cimino | batteria elettronica, percussioni

Enrico Gabrielli | fiati, percussioni, voce

Gianluca Giusti | wurlitzer, pianoforte, eko tiger

Rocco Marchi | chitarra 12 corde, percussioni

Michele Orvieti | orvietronics

Registrato da Francesca Baccolini allo studio Obst und Gemüse di Cerro Veronese | Mixato da Rocco Marchi e Francesca Baccolini allo studio Obst und Gemüse di Cerro Veronese | Masterizzato da Roberto Passuti allo Spectrum Studio di Bologna

Amor Fou – Cento Giorni da oggi, l’ipertrofia acceca.

Michele Faggi — Wed, 16 May 2012 13:01:04 +0000

L’ipertrofia acceca. Lo sa benissimo chi si è immerso almeno una volta nella ricerca di Martin Jay, con passione e fuori dai confini accademici. Amor Fou sono invischiati, esattamente come la critica che ne scrive, in un contesto che è quello delle intelligenze collettive (non connettive, ci tengo a sottolinearlo) almeno nel potenziamento di uno stimolo virale che arriva dall’alto e si replica sul basso senza un’apertura creativa che consenta di separarsi dal bombardamento della comunicazione ufficiale. Si chiama “sutura” ed è ovviamente la neutralizzazione del virus, inteso come un organismo che modificandosi “positivamente” sia in grado di trasformare in un territorio permeabile un manufatto digitale, un ascolto, una qualsiasi deriva della scrittura che finalmente liberi il discorso critico dall’aderenza obbligata all’oggetto, al formato giornalistico, alle pagelline con voto per un lettore che si vuole evidentemente in partenza, già passivo. Al di là dei vizi culturali e delle ossessioni che diventano citazioni, ascoltando Cento giorni da oggi si rimane soffocati dall’inerzia di un anti-linguaggio, uno stallo non dissimile dalla supponente ingenuità di un Raina che al contrario ha cercato di difendere la sua scrittura recintandola paradossalmente nella persistenza, orgogliosa e decisa, dei riferimenti. Una debolezza che nell’intervista rilasciata a Fabio Pozzi dal musicista nato nelle Falklands torna fuori in modo più furbo e conciso nel tentativo di trovare una connessione tra la sintesi del pop e una vocazione documentale : “all’estero, non solo all’interno della canzone d’autore in senso stretto, si è riusciti a conservare questa attitudine documentaristica e anche di riflessione, e in particolare Albarn (n.d.r. Damon Albarn dei Blur) lo ha fatto benissimo in tutti i suoi progetti. Sicuramente ci sentiamo in questo molto vicini a delle realtà musicali non necessariamente italiane, anzi molto spesso straniere, che però mantengono dei forti punti in comune con quella che è stata la canzone d’autore italiana fino a pochi decenni fa, che aveva una forte componente di documentazione“. Tutto molto bello sulla carta, con la sensazione che al solito sia la nota a margine il collante necessario a Raina per tenere insieme un progetto che si vorrebbe, attraverso la lente di una critica-cronaca orribile: “concettuale”, “immediato”, “popolare, ” “citazionistico”, “giovanilistico”, “para-cool” (forse si intendeva para-culo? le parole sono esche, al di là del fatto che per chi scrive, alcune di queste hanno una connotazione del tutto negativa). Con l’ermetismo di Franco Battiato (ermetismo nella direzione di Ermete Trismegisto) gli Amor Fou non condividono certo quel percorso alchemico fatto di combinazioni palindrome che il Pop del musicista siciliano costruisce e disintegra da sempre; le capacità di Raina sono quelle del collezionista, il frequentatore di un mercato delle pulci, un po’ come Bianconi che non legge Zolla e gli dedica un album dopo esser stato colpito da un titolo di uno dei suoi libri più noti, sbirciato sull’orlo di una bancarella; esotismi.

Sick Monkey – S/T (Autoproduzione, 2012)

Denis Prinzio — Mon, 14 May 2012 13:59:36 +0000

Ultimamente si stanno sempre più facendo largo numerose bands italiche che provano ad aggiornare lo stoner rock - genere che ha visto la sua esplosione negli anni ’90 dominati dal grunge – con il nostro idioma. Ci provano anche i veronesi Sick Monkey, al loro esordio con questo EP autoprodotto di 4 brani. Si diceva dello stoner: quello suonato dalla scimmia malata (bel nome per un gruppo che suona questo tipo di musica: strano che nessuno ci abbia pensato prima) è di derivazione americana, imbastardito con l’attitudine punk e ben imparentato con certo hard blues che arriva dai Blue Cheer, spesso quindi diretto, veloce e senza fronzoli alla maniera di Clutch e Fu Manchu (Anatomia dell’Essere, Ridi Ruggine). Le inevitabili influenze Kyussiane si avvertono non appena i ritmi rallentano e il vento polveroso del deserto prende il sopravvento (Entiende). Muscolari, aggressivi e d’impatto, con gli amplificatori valvolari Orange in bella evidenza, i Sick Monkey incontreranno sicuramente i favori degli amanti di tali sonorità (in Italia resiste uno zoccolo duro piuttosto agguerrito); c’è da lavorare ancora sul piano compositivo – non convincono a fondo certe soluzioni melodiche – e soprattutto sull’accento del cantante. Buon lavoro.

Sick Monkey – S/T

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anatomia dell’essere | entiende | ridi ruggine | senza testo

Oratio – Discorrendo senza ratio (Malintenti Dischi, 2012)

Francesco Cipriano — Mon, 14 May 2012 13:49:42 +0000

Senza intravedere la benchè minima flessione che possa lasciar intendere un passaggio di testimone, il prodigo isolone fornisce ancora alla rediviva tradizione cantautorale del belpaese, l’ennesimo omaggio folk. E sebbene mi si perdoneranno, sin da subito, gli eccessi, non credo vi sia tuttavia spazio per alcun melenso campanile dietro un lavoro di siffatta forma. Perché sono altresì convinto che basti davvero poco. Anche forse un ascolto distratto. Dieci secondi. Quindici al massimo. Nessun dubbio: Andrea Corno, in arte Oratio, è autore valente e probo musicista. E se il capitolo precedente (Ora ti ho, sempre per la siciliana Malintenti) sembrava dribblasse in maniera furbetta la questione personalità, ipotizzandone, del resto, una convinta affinità alla folta schiera di neo-urlatori (Dario Brunori e Pan del Diavolo in testa), Discorrendo senza ratio lascia piuttosto immaginare un piglio ed una determinazione da disilluso mestierante, ormai conscio di avere la chiave giusta per la toppa delle emozioni, giocando con esse come la posta al poker, con una serie di bluff, rilanci e gesti rituali. Perché non di poco conto è il suo messaggio. Intrepido, nella semplicità di chi la vita la sa raccontare, far capire, illustrare con la propria, efficacissima, miscela di ironia, cinismo e disincanto. Come l’istantanea sixties in cui hotpants e minigonne paiono ancora svolazzare ai coretti surf di Credi in me e Mille idee o come la porta lasciata sempre aperta al Rino Gaetano dissacratore, tra esotismi accorti e delizie folk (Pirati e Sparirò) mentre Il musicista inglese credo venga giù da Liverpool. Un continuo rimpiattino nostalgico che divaga tra l’americana di Crosby, Stills, Nash & Young (Non c’è pericolo), il pop luccicante dè Il laccio, l’imprinting divinatorio di Basile (Sonno stregone). E poi ancora, il sarcasmo iconico di CT-PA (che godrà dell’insigne merito di essere il primo canoro presente alle autostrade siciliane), l’indolenza wave Stone Roses delle splendide Scegli il vizio ed Etnagigante ed, infine, la farcitura psichedelica di Un posto sconosciuto.

E credo dunque non serva a nulla violentare il tasto rewind per riassaporare i momenti più significativi di questo disco perché essi stanno tutti lì in fila, come le vecchiette per l’ostia consacrata, con l’abito più bello della domenica. Ah, che prezioso contributo alla mia terra, alla mia gente, alla musica tutta!

Oratio – Discorrendo senza ratio

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Olden – S/t (Daruma Records, 2012)

Paolo Pavone — Mon, 14 May 2012 13:42:01 +0000

Il perugino Davide Sellari, al secolo Olden, pubblica il suo omonimo e debut album per l’etichetta catalana, Daruma Records. La sua visione cantautorale si specchia in un fondale brit pop fluido e convincente con melodie orecchiabili e radio friendly che si fanno carico dell’intero ascolto. Un ascolto che catapulta in una dimensione estremamente diretta e facilmente assimilabile (You, Once Again e I’m Coming Home), con episodi acustici ed essenziali, al quale fanno da cornice incisioni più elaborate e decise (Jim & Jane, Another Word e I Don’t Wanna Pray). Le radici di Olden, che possono ricordare l’animo più folk dei Beatles, riescono a sorreggere un songwriting attento e corposo, donando all’intero disco una giusta miscela di suoni ed una trama ricca di ottimi spunti. Se da un lato il trentaquattrenne Sellari resta ancorato alla dimensione seventies a lui tanto cara, dall’altro si spinge verso orizzonti più freschi e meno derivativi, ampliando il personale discorso musicale che si appoggia alle principali influenze del cantautore umbro: David Bowie, Nick Drake, Pulp e Radiohead. L’immediatezza dei brani e la freschezza dei suoni regalano alle undici incisioni una connotazione leggera e appetibile pur mantenendo un livello compositivo di spessore. Un disco d’esordio pregevole e concreto al quale è davvero difficile chiedere di più.

Olden – S/t

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RM Hubbert – Thirteen Lost & Found (Chemikal Underground, 2012)

Andrea Quadroni — Mon, 14 May 2012 13:33:58 +0000

Dal 1993, il chitarrista scozzese RM Hubbert, hubby per gli amici, ha suonato diversi tipi di musica. Nel 1995 fonda il gruppo post punk El Hombre Trabejado, firmando un contratto con l’etichetta indipendente Chemikal Underground. Sciolti i EHT, decide di provare il debutto solista e durante il 2010 pubblica il suo primo album First & Last, nel quale mostra tutta la sua bravura e sensibilità; è lo stesso chitarrista ad ammettere che la composizione di musica e testi è stata influenzata dalla morte dei genitori. Il disco piace alla critica, la decisione di coinvolgere altri nove strumenti crea un bizzarro mix di stili diversi che viene apprezzato molto dal pubblico durante le esibizioni live. La sua tecnica nel suonare la chitarra non passa inosservata: gruppi come Mogwai e God speed you! Black emperor lo invitano in tour ad aprire i loro concerti. Altre esibizioni, più intime e ristrette, diventano nel 2010 un album; il titolo, Will play for food, è esplicativo: il ragazzone scozzeese e i suoi amici, attraverso internet, venivano invitati a cena da sconosciuti e mentre il padrone di casa preparava il pranzo o la cena, hubby eseguiva per i presenti un concertino musicale informale. A febbraio del 2011 riparte in tour con i Mogwai e nel 2012 mette a punto la sua ultima fatica, Thirteen Lost and Found. L’album è per prima cosa una reunion fra vecchi amici. Partecipa, in qualche modo, tutta la Glasgow musicale anni ’90: per fare qualche nome Alex Kapranos (Franz Ferdinand), Emma Pollock (The Delagados), Aidan Moffat (Arab Strap) e Luke Surherland (Long Fin Killie e Mogwai). Ogni brano è stato scritto in collaborazione con l’ospite di turno, mettendo enfasi su spontaneità e sperimentazione. Gli strumenti utilizzati sono molti: violini, percussioni, piano, banjo, fisarmonica, vibrafono e gu zheng, oltre alla chitarra di Hubbert che è presente in tutte le undici tracce del disco. La tecnica è sopraffina, i suoni sono profondi, morbidi e delicati. È un lavoro allo stesso tempo corale e molto personale. V e For Joe sono brevi canzoni – appena tre minuti – dolcissime, Swithces part. 2 è più energica e si avvicina più a sonorità flamenco – esque, mentre Car Song, Sandwalks e Half Light rappresentano la côte malinconica dell’album. Citazione a parte per Hungarian notation, sia per la partecipazione di Alex kapranos (fra le altre cose produttore dell’album) sia per la melodia, un vero inno alla vita che profuma di europa dell’est. L’album ha un punto forte: nonostante le tante collaborazioni, si riconosce la mano di Hubby che brilla di luce propria. Ha però un rovescio della medaglia: visto le tante collaborazioni, difficilmente sarà suonato dal vivo in tutta la sua gloria più di due volte. Nel complesso però, un disco che vale assolutamente la pena avere.

RM Hubbert - Thirteen Lost & Found

Il sito internet di RM Hubbert

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Intercity – Yu Hu (A Cup In The Garden, 2012)

Giulia Bertuzzi — Mon, 14 May 2012 13:24:42 +0000

Dopo l’uscita nel 2009 di Gran Piano (recensito da questa parte su Indie Eye ), il 2012 saluta il secondo lavoro in studio degli Intercity. Nati inizialmente sotto le spoglie di Edwood, nel 2008 la band muta fino a trovare la propria formazione definitiva nel quadrilatero formato da Fabio e Michele Campetti, Pierpaolo Lissignoli, Anna Viganò.

Con Yu Hu, la formazione bresciana si trova a godere di un (meritato) momento felice. Si tratta di un album melodioso, esile in cui si intrecciano alle esigenze di stampo cantautoriali le micce di un pop inglese sixteen. Molteplici sono i richiami ad esempi italiani; a Paolo Benvegnù agli Scisma ancora, a certe produzioni di Max Gazzè a Le Maschere di Clara.Ma non è solo l’isola oltre manica ad essere di spunto per gli Intercity. Difatti, pur muovendosi lungo i binari della forma canzone, Yu Hu sembra attingere anche dallo spettacolo nordeuropeo di casa Notwist e da quelle sonorità di velata malinconia che li contraddistinguono; suoni grevi e profondi che saturano la partitura. L’album si tempera in quindici tracce così leggere da dimostrare come falsa l’esistenza della gravità; e così, procedendo lungo la dissoluzione dei vincoli temporali, i quarantotto minuti del disco si dilatano fino a formare cornici da declamazioni oberoniane (Nouvelle Vogue), polaroid di oggetti abbandonati (Neon), suggestioni letterarie (Anais) e flash back sul passato (Un grande sogno). Ottimi gli arrangiamenti che amalgamano in modo fluido il contributo degli archi e delle tastiere (Smeraldo). Silloge di questi aspetti è Anfiteatro, fra i pezzi più coinvolgenti e sentiti dell’intero album, un perfetto avamposto all’estate alle porte. Dotati di vero talento per gli accostamenti testuali, gli Intercity non lesinano in caratteri e farciscono le tracce del disco di una quantità immane di oggetti, nomi e rimandi letterari. Registrato interamente in analogico, Yu Hu si nasconde fra le pieghe di un vintage poco conosciuto e poco rivisitato, pronto per uscire all’occorrenza e declamare il proprio, personalissimo, elogio della lentezza.

Intercity – Yu Hu

Intercity in rete

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Six Organs of Admittance: l’intervista @ indie-eye.it – Roma 6 Maggio 2012

Giuseppe Zevolli — Fri, 11 May 2012 15:34:24 +0000

Per la terza volta Motelsalieri torna ad ospitare un concerto-evento acustico che profuma d’eccezione, confermandosi un microcosmo suggestivo e finanche surreale per appassionati e cultori, una cornice elegante per performance improntate tanto all’intimismo quanto alla sperimentazione. Dopo lo straordinario cabaret noir di Baby Dee dello scorso Novembre, una domenica mattina di Febbraio si esibiva l’outsider per antonomasia Jandek, presentando alla consueta trentina di convenuti il suo primo live italiano di sempre e una mostra fotografica con alcune delle sue leggendarie copertine. “Pezzi” scritti in una manciata di giorni, ancora freschi di taccuino, una voce sbilenca e fosca, un folk-blues trascendente per accordi liberi: a pochi metri di distanza, nel chiuso del suggestivo stanzino lievemente seminterrato, il mistero dell’autore texano finiva per ispessirsi, tra un lungo silenzio e l’altro, nell’austerità della sua figura ossuta e tra le pieghe di una penombra noncurante del mezzogiorno. In un piovoso pomeriggio romano giunge ora Ben Chasny a ridisegnare la sua versione dell’occasio. Dalle allucinazioni imprendibili di Jandek si passa al virtuoso fingerpicking del chitarrista californiano, anima e corpo del progetto Six Organs of Admittance ormai dal lontano 1998 e membro-collaboratore di una pletora di artisti (Comets on Fire, Rangda, Badgerlore, August Born, Basalt Fingers, Current 93 tra gli altri) con cui non ha mai smesso di complicare la matrice psych-folk della sua musica. Chitarra e voce (on occasion), ça va sans dire. Propone un plug in nella bocca semichiusa di una statua equestre al centro della sala e poi si scusa per la battuta: ogni sferzata elettrica suonerebbe comunque sacrilega calata nell’atmosfera presente. Agli squarci più psichedelici e alle escursioni strumentali più perigliose (spicca in coda Above a Desert I’ve Never Seen) si affianca con disinvoltura quel formato “canzone”, che ci dirà, in un modo o nell’altro deve pur entrare nei giochi. Così c’è spazio per la composta dolcezza di un nuovo brano e per una cover di Roll The Stone di Kevin Paul Godfrey aka Epic Soundtracks, fratello di Nikki Sudden, uno dei guru di Chasny. Un pubblico di pochi risponde con ovazioni che sembrano moltiplicarsi di volta in volta.

Qualche minuto dopo la performance Ben mi concede volentieri una piccola intervista. Tra le stesse mura azzurrognole i suoi racconti, le sue risate rincorrono la propria eco e i rapidi cambi d’argomento. Dalla sua sete d’ontologia a colonne sonore… imprevedibili.

Un ringraziamento a Fabio Quaranta e Diego Manfreda e a Fred Somsen di Drag City per averci fornito il materiale fotografico (continua alla pagina successiva…)

The Mynabirds: “Generals” esce il 5 Giugno.

Elena Chiara Mitrani — Thu, 10 May 2012 13:33:23 +0000

I Mynabirds sono un collettivo di musicisti che ha la cantautrice Laura Burhenn come leader. Fondato nel 2009, il collettivo ha attualmente sede in Nebraska. Il loro album di debutto, del 2010, si intitolava “What we lose in the fire we gain in the flood”: prodotto da Richard Swift e rilasciato da Saddle Creek, fu acclamato dalla critica. Dopo un anno di tour, nel 2011 Laura è tornata in studio con Richard per iniziare qualcosa di nuovo. E’ nato così il secondo album dei Mynabirds, “Generals”, che uscirà, sempre sotto l’egida di Saddle Creek, il 5 giugno 2012. La prima traccia è in download gratuito sul sito dell’etichetta. Il disco sarebbe allo stesso tempo un concept album e un disco di protesta, che raccoglie la frustrazione politica e cerca una spinta rivoluzionaria, sebbene pacifista. Musicalmente, si sentono gli echi di Nina Simone, PJ Harvey e del David Bowie della sua “low era”.

Scarica “Generals” dal sito della saddle creek

Tracklist:

Karma debt
Wolf Mother
Generals
Radiator Siste
Disaster
Mightier than the Sword
Body of Work
Disarm
Buffalo Flower
Greatest Revenge