{"id":26855,"date":"2015-05-20T23:05:27","date_gmt":"2015-05-20T21:05:27","guid":{"rendered":"https:\/\/www.indie-eye.it\/cinema\/?p=26855"},"modified":"2023-01-21T18:50:58","modified_gmt":"2023-01-21T16:50:58","slug":"youth-la-giovinezza-la-recensione","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.indie-eye.it\/cinema\/covercinema\/youth-la-giovinezza-la-recensione.html","title":{"rendered":"Youth – La Giovinezza di Paolo Sorrentino: la recensione"},"content":{"rendered":"

Paolo Sorrentino<\/strong>, fin dagli esordi, ha cercato in tutti i modi di rendere immediatamente riconoscibile il suo cinema, come se le ossessioni, i temi e i luoghi ricorrenti, l’architettura dell’immagine e la geometria dei movimenti fossero gli elementi di una semantica fondata sull’evidenza del segno.<\/p>\n

\u00c8 un aspetto innegabile e per noi assolutamente negativo, perch\u00e9 sottolinea la presenza dell’autore con quella prevalenza calligrafica che in certi casi affligge i cineasti stanchi, a fine carriera e gravidi di riconoscimenti, dai quali ci si aspetta quell’immagine, quella situazione, quell’atmosfera.<\/p>\n

In questo senso Sorrentino costruisce blockbuster con il bollino blu dell’autore, rivolgendosi ad un certo tipo di pubblico e ovviamente senza l’onest\u00e0 artigianale e vitale del cosiddetto cinema dai grandi numeri.<\/p>\n

Come a dire che in un certo contesto, se ti servi di David Lang per la colonna sonora originale, se inserisci i Godspeed You! Black Emperor, se sei cos\u00ec “originale” da selezionare un brano dei coltissimi Rachel’s<\/a>, conquisti una zona di sicurezza che per lo meno pu\u00f2 ambire all’ostentazione della “diversit\u00e0”. Quale sia questa diversit\u00e0 e soprattutto che sostanza abbia \u00e8 tutto da stabilire, al momento ci interessa sottolineare che il metodo Sorrentino, dal primo film fino a Youth, non \u00e8 mai cambiato.<\/p>\n

L’utilizzo delle musiche, oltre a rappresentare un involucro di lusso, definisce personaggi e ambienti proprio a partire dalle caratteristiche d’ameublement<\/em>, sono tinte che si accordano con la parte pi\u00f9 esterna dell’immagine descrivendone lo spazio secondo coordinate superficialmente sinestetiche. Un esempio specifico di questa relazione tra suono e immagine \u00e8 presente proprio in Youth<\/strong>, quando Michael Caine<\/strong> guida la direzione di una musica immaginaria in mezzo ad un prato delle alpi svizzere regolando muggiti e campanacci. Invece di evocare una dimensione metafisica, come vorrebbe costantemente suggerirci il cinema del regista napoletano, con le levitazioni ostentate en plein air<\/em>, l’apertura dello spazio architettonico verso l’espansione onirica, la relazione “estetica” tra corpi e volumi, questa combinazione tra immagine e suono rimane in superficie, non buca l’inquadratura ma al contrario ne sottolinea la composizione equivocando l’idea di un’immagine contemplativa con la disposizione di corpi, oggetti e colori.<\/p>\n

Questa propensione all’ornamento \u00e8 chiarissima osservando diacronicamente la filmografia del regista napoletano e prendendo in esame gli ambienti: l’hotel de “Le conseguenze dell’amore<\/em>” e di “Youth<\/em>“, la Roma immaginata de “La grande bellezza<\/a><\/em>“, l’America mai vista di “This Must Be the Place<\/a><\/em>“, l’Italia tra terrazza e “palazzo” ne “Il Divo<\/a><\/em>“, la separazione dal mondo in “Youth<\/em>“. Ai luoghi si aggiungono i temi che questa drammaturgia dello spazio include, ovvero il desiderio e la morte, le pulsioni creative e l’annullamento, l’oblio e l’estasi.
\n\u00c8 uno schema preciso, sempre uguale a se stesso, e rappresentato attraverso il raggelamento dell’immagine operato con i mezzi di una retorica linguistica molto pi\u00f9 evidente di quella utilizzata da Giuseppe Tornatore, al quale va riconosciuta la capacit\u00e0 di avvicinarsi a quel cinema, per quanto abusato,  onestamente radicato nella tradizione del set come organizzazione di un mondo collettivo complesso e molto pi\u00f9 aperto delle macchine celibi Sorrentiniane.<\/p>\n

Ecco allora i corpi di Youth, la loro decadenza fisica, il contrasto con le tette di marmo di Miss Universo, le geometrie dell’hotel e l’innesto di una natura gi\u00e0 inquadrata come bozzetto artificiale, tanto da temere persino la vertigine dell’altezza, basta pensare a quel quadretto cos\u00ec composto che avvolge in un abbraccio posturale Rachel Weisz<\/strong> e il nuovo amante alpinista, sono tutti motivi di un’armonia cosmica che Sorrentino vorrebbe farci credere “semplici”, come gli ultimi lieder di Strauss dedicati alla moglie soprano Pauline Strauss-De Ahna, scritti per descrivere il ciclo vitale fino all’interrogativo estremo “Ist dies etwa der Tod<\/em> ?<\/a>“.<\/p>\n

Le “simple songs<\/em>” sembrano alludere a questa cultura da salotto, non tanto per i riferimenti pi\u00f9 o meno espliciti, ma per la volont\u00e0 di trasformare ogni elemento in campo in un segno marcatamente pregno, quasi fosse un tutorial ad uso e consumo degli allievi delle scuole secondarie, proprio per i suoi continui rimandi didascalici: i dialoghi, il cinema nel cinema, Jane Fonda<\/strong> come una Lauren Bacall in cancrena, la maschera orrorifica della sempre splendida Sonia Gessner<\/a> la cui postura statuaria, mentre altrove si eseguono per l’ultima volta le celeberrime “songs”, torna a suggerirci quello che non ci \u00e8 pi\u00f9 possibile immaginare.<\/p>\n

Del ciclo tra vita e morte Sorrentino sembra preferire il teatrino della seconda, un’ipostasi del potere nella sua fase terminale, si proprio quello che plaude al suo cinema<\/a>.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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